HISTORISCHER BLICK :
HYPERLATIVE REALISMEN VOR DER ZEIT

XVII ème
Johannes VERMEER (1632-1675)

XIX ème
Jean-Auguste-Dominique INGRES (1780-1867)

Jan Brueghel l'Ancien, Flowers in a Wooden Vessel (détail), 1606-1607, huile sur bois, Collection : Musée de l'histoire de l'art de Vienne

© En cours de modification

XVI. bis XVII. Jahrhundert

Wie könnte man nicht zuerst an die Stillleben der Flämischen Schule des 17. Jahrhunderts denken, mit ihren fein und präzise wiedergegebenen Blumen und Desserts, ihren sorgfältig wiedergegebenen Stoffen, die nicht nur eine perfekte Kenntnis des Gegenstands, der Frucht oder des Tieres voraussetzen, sondern vor allem eine lückenlose malerische Beherrschung? Jan Brueghel der Ältere (1568-1625), Ambrosius Bosschaert (1573-1621), Pieter Claesz (1597-1661), Jan Davidsz de Heem (1606-1684) und viele andere haben gekonnte Kompositionen geschaffen, die durch den Glanz der Farben oder das Glitzern von Metallen und Gläsern in Staunen versetzen. Das offensichtliche Streben nach absoluter Wahrhaftigkeit scheint dann mit dem Bewusstsein der Endlichkeit der Welt und der Eitelkeit allen menschlichen Handelns übereinzustimmen. Wir können diese Genremalerei als einen ersten Schritt in Richtung des späteren Hyperrealismus betrachten.

Ebenso sollten wir an das Genie des Trompe l'oeil denken, dieser Kunst der Illusion, die jedem gemalten Objekt eine trügerische Präsenz auf unserer Netzhaut zurückgibt. Es macht Spaß, das Perlmutt einer Muschel, den Flaum eines Filzes, die Maserung eines Holzes oder die Pracht eines Schmuckstücks wiederzugeben. Cornelis Norbertus Gijsbrechts (1630-1675) verstand es, den Eindruck eines Reliefs zu vermitteln, auch wenn es sich nur um eine gemalte Oberfläche handelte. Wir erkennen zwar eine Verbindung zum Hyperrealismus, aber sie beschränkt sich auf die technische Virtuosität, denn die Absicht des Künstlers mit seinen raffinierten Inszenierungen zielt darauf ab, uns über die Vortäuschung der Realität und unsere Neigung, uns täuschen zu lassen, zu befragen, und nicht, wie es das fast utopische Projekt des Hyperrealismus vorschlagen wird, über unsere Fähigkeit, die realen Dinge so zu sehen, wie sie sind.

William Bouguereau, The Little Knitter, 1882, Huile sur toile, 60,5 x 100,5 cm

© En cours de modification

19. Jahrhundert

Ein weiterer Moment, der stark von einem manchmal übertriebenen Realismus geprägt ist, tritt im 19. Jahrhundert auf, vor allem in Frankreich mit der akademischen Kunst. Hier veranlasste die Faszination für die großen Figuren der Geschichte die Künstler dazu, mit monumentalen Gemälden das Schauspiel vergangener Größe aufzubauen. Die Liebe zum Detail lässt den Betrachter an eine Wahrheit glauben, die nur der Maler durch seine Beobachtungsgabe, die er sich nach einer langen Ausbildung angeeignet hat, zu enthüllen vermag. William Bouguereau (1825-1925) oder Fernand Cormon (1845-1924), die die Überlegenheit der Zeichnung über die Farbe annahmen, verherrlichten die behandelten Themen durch ihre Technik und bemühten sich, Pinselstriche und andere Tricks so weit wie möglich zu verbergen, was im nächsten Jahrhundert die Hyperrealisten unweigerlich taten.

In dieser für den Blick des Betrachters erbaulichen Richtung können wir an die Maler von Alpenlandschaften denken, die uns keine Felsritze und keine Spiegelung des Wildbachs ersparen, alles Details, die in sehr großformatigen, demonstrativen Kompositionen zu sehen sind: Laurent Guétal (1841-1892), Charles Bertier (1860-1924), Edouard Brun (1860-1935) saugen uns in die Unendlichkeit der Gletschertäler, um uns von der gleichen Bedeutung des Kleinen und des Großen zu überzeugen.

Aber zweifellos ist eine Atlantiküberquerung notwendig, um das zu erfassen, was man als die Anfänge des Hyperrealismus bezeichnen könnte. Nach der Zeit, die von den grandiosen und romantischen Landschaften der Hudson River School dominiert wurde, konzentrierten sich einige amerikanische Maler, die später von John Baur unter dem Begriff « Luministen » zusammengefasst wurden, auf die atmosphärischen Effekte einer Landschaft und stellten eine intime und meditative Beziehung zwischen dem genau dargestellten Raum und dem von den Lichtwerten erfassten Betrachter her. Zu diesen Künstlern, die die Palette aufhellten und der Faktur mehr Schärfe verliehen, gehören John Frederick Kensett (1816-1872), Albert Bierstadt (1835-1910) oder Alfred Thompson Bricher (1837-1908), die strenge Panoramen mit großen, dem Meer und dem Himmel überlassenen Flächen schufen, die sich jedoch nicht von der obsessiven Liebe zum Detail befreien konnten.

Charles Scheeler, Upper deck, 1929. Fogg art museum, Cambridge, USA

20. Jahrhundert

Der Anfang der 1920er Jahre aufgekommene Präzionismus war die erste « modernistische » Bewegung in der neuen Welt, die es sich zur Aufgabe machte, die Stadt, die Maschine und die städtische Infrastruktur als formale Ressourcen zu malen, die für einen Künstler von Interesse sind.

Die Kompositionen entlehnen sich sowohl dem Kubismus als auch dem Futurismus, doch der glatte und kalte Pinselstrich verleiht ihnen eine spezifisch amerikanische Originalität. Eine Art Reinheit geht von diesen neuen Bildern zur Verherrlichung der industriellen oder landwirtschaftlichen Produktion aus.

Die großen Flächen mit klaren und kontrastreichen Farben sind ein wirksames dekoratives Projekt, aber man muss ihnen zugute halten, dass sie nicht versuchen, ihre Motive (meist banal: ein Fabrikschornstein, ein Getreidesilo) zu adeln, sondern ihnen ihre ganze Fremdheit entlocken.

Zu nennen sind hier vor allem Charles Scheeler (1883-1965), aber auch Charles Demuth (1883-1935), Preston Dickinson (1889-1930), Niles Spencer (1893-1952), Elsie Driggs (1898-1992), Ralston Crawford (1906-1978), die alle fotografische Dokumentationen verwendeten, wenn sie nicht selbst als Fotografen tätig waren.

Wayne Thiebaud, Pie Rows (Rangée de tartes), 1961. Huile sur toile. Collection:  © Wayne Thiebaud Foundation/2022, ProLitteris, Zurich,  Photo: © Matthew Kroening

Wayne Thiebaud (1920-2021) hingegen, der Kuchen, Süßigkeiten und Gebäck aller Art malte und dabei den Schwerpunkt auf das erste Objekt des Konsumverlangens legte, um einen unmittelbaren Appetit zu befriedigen, ist sowohl ein Vorläufer der Pop-Art als auch des Hyperrealismus. Seine pastose Technik akzentuiert die Konturen, um besser zu verführen.

Sein Realismus bleibt dennoch ausdrucksstark und seine Stadtlandschaften würden ihn eher in die Nähe von Edward Hopper rücken.

Edward Hopper (1882-1967), der in den 1930er Jahren in den USA berühmt wurde, ist wahrscheinlich der berühmteste und meist verehrte Vorfahre der Hyperrealisten.

© En cours de modification

Seine Bilder stellen Straßenszenen, Geschäfte, Veranstaltungsräume, Tankstellen, Restaurants und Vorstadtsiedlungen dar, manchmal mit wartenden, einsamen, isolierten und vereinsamten Personen, die in einer Einsamkeit eingeschlossen sind, die durch die säuerlichen Farben und die Freimütigkeit der vertikalen Schnitte oder schrägen Ebenen, die der vollendetsten Filmkunst würdig sind, dramatisiert wird. Psychologische und visuelle Konfigurationen stimmen in jeder Komposition überein, um das, was sich im Leben vor unseren Augen abspielt, auf den Punkt zu bringen: Verlangen und Ablehnung, Lust und Tod, das saure Glück, das die moderne Welt bietet.

Edward Hoppers Bilder nehmen das Interesse der Fotorealisten an der städtischen Umgebung oder den Requisiten der Moderne vorweg und fangen präzise Momente ein, die auf der Leinwand festgehalten werden, unterscheiden sich aber vehement davon: Die unglückliche Entfremdung, die von dem einen angeprangert wurde, konnte die glückliche Entfremdung, die von den anderen gefeiert wurde, nicht voraussehen lassen.

© Norman-Rockwell-probleme-concerne-1963-Huile-toile-914×1481-IllustrationLook-14-janvier-1964_1

Wir könnten die populäre Welt der Illustration mit Künstlern wie Dean Cornwell (1892-1960), ebenfalls ein bekannter Wandmaler, und vor allem Norman Rockwell (1894-1978) erwähnen, der die komischsten Ereignisse aus dem Leben eines jeden Amerikaners mit einem manchmal karikaturistischen Realismus erzählt hat.

Jedes Werk erzählt eine Geschichte mit Witz und Zärtlichkeit: Kunst als Unternehmen zur Wahrheitsfindung, sowohl soziologisch durch ihr Thema als auch malerisch durch ihre regelrecht fotorealistische Technik.

So wie es unter den Fotografen einen « Piktorialismus » gab, der die Bildausschnitte und Konventionen der traditionellen Landschaftsmalerei auf seine Bilder übertrug, wird es unter den Malern einen « Fotografismus » geben, der sich die Codes und Besonderheiten einer Kunst aneignet, die Blickwinkel, Perspektiven und unser Blickfeld stark verändert und die Vorbilder des Künstlers diversifiziert.

Die tiefe Originalität des Fotorealismus liegt nicht nur in der extremen Genauigkeit der Wiedergabe, sondern vor allem in der Verwendung der einzigartigen Entdeckungen und ungeahnten Möglichkeiten der fotografischen Aufnahme in der Malerei, was auch Schwierigkeiten mit sich bringt.