PERSPECTIVA HISTÓRICA:
EL REALISMO HIPERLATIVO ANTES DE TIEMPO

XVII ème
Johannes VERMEER (1632-1675)

XIX ème
Jean-Auguste-Dominique INGRES (1780-1867)

Jan Brueghel el Viejo, Flores en una vasija de madera (detalle), 1606-1607, óleo sobre madera, Colección: Museo de Historia del Arte de Viena

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Siglos XVI – XVII

¿Cómo no pensar en primer lugar en los bodegones de la escuela flamenca del siglo XVII, con sus flores y postres ejecutados con finura y precisión, y sus materiales cuidadosamente representados, que presuponen no sólo un perfecto conocimiento del objeto, de la fruta, del animal, sino sobre todo un dominio pictórico sin lagunas? Jan Brueghel el Viejo (1568-1625), Ambrosius Bosschaert (1573-1621), Pieter Claesz (1597-1661), Jan Davidsz de Heem (1606-1684), entre muchos otros, realizaron hábiles composiciones que maravillaban por el brillo de los colores o el centelleo de los metales y el cristal. La evidente búsqueda de la veracidad absoluta parece estar en consonancia con la conciencia de la finitud del mundo y la vanidad de toda acción humana. Podemos considerar esta pintura de género como un primer paso hacia lo que sería el hiperrealismo.

Del mismo modo, pensemos en el genio del trompe l'oeil, ese arte de la ilusión que devuelve a cada objeto pintado una presencia engañosa en nuestras retinas. Hay placer en representar el nácar de una concha, el plumón de un fieltro, la veta de una madera, la suntuosidad de una joya. Cornelis Norbertus Gijsbrechts (1630-1675) sabía dar la impresión de relieve aunque sólo se tratara de una superficie pintada. Podemos ver una relación con el hiperrealismo, pero se reduce al virtuosismo técnico, porque la intención del artista con su hábil puesta en escena es interrogarnos sobre el simulacro de la realidad y nuestra propensión a dejarnos engañar, y no, como propondría el proyecto casi utópico del hiperrealismo, sobre nuestra capacidad de ver las cosas reales tal como son.

William Bouguereau, La pequeña tejedora, 1882, Óleo sobre lienzo, 60,5 x 100,5 cm

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Siglo XIX

Otro momento fuertemente teñido de un realismo a veces excesivo apareció en el siglo XIX, sobre todo en Francia, con el arte académico. Aquí, la atracción por las grandes figuras de la historia animó a los artistas a construir el espectáculo de la grandeza pasada con pinturas monumentales. La preocupación por el detalle lleva a creer en una verdad que sólo el pintor podía revelar gracias a un don de observación que habría adquirido tras un largo aprendizaje. Este arte « pompier », en el culto de la excelencia y de la tradición, dejó obras en la cumbre del realismo: William Bouguereau (1825-1925) o Fernand Cormon (1845-1924), asumiendo la superioridad del dibujo sobre el color, magnificaron los temas tratados por su técnica y se esforzaron por disimular al máximo las pinceladas y otros artificios, lo que no dejarían de hacer los hiperrealistas en el siglo siguiente.

En esta línea, podemos pensar en los pintores de paisajes alpinos que no nos eximen de ninguna grieta en la roca, de ningún reflejo del torrente, todos detalles visibles en composiciones demostrativas de gran formato: Laurent Guétal (1841-1892), Charles Bertier (1860-1924), Edouard Brun (1860-1935) nos absorben en la inmensidad de los valles glaciares para convencernos de la igual importancia de lo pequeño y de lo grande.

Pero sin duda será necesario cruzar el Atlántico para aprehender lo que podrían considerarse los inicios del hiperrealismo. Tras el periodo dominado por los paisajes grandiosos y románticos de la Escuela del río Hudson, ciertos pintores estadounidenses, que más tarde John Baur agruparía bajo el término de « luministas », se centraron en los efectos atmosféricos de un paisaje, estableciendo una relación íntima y meditativa entre el espacio representado con precisión y el espectador atrapado por los valores luminosos. Entre los artistas que aligeraron la paleta y aportaron nitidez a la obra se encuentran John Frederick Kensett (1816-1872), Albert Bierstadt (1835-1910) y Alfred Thompson Bricher (1837-1908), que crearon panoramas rigurosos con grandes superficies dejadas al mar y al cielo, pero que no se liberaron de una preocupación obsesiva por el detalle.

Charles Scheeler, Upper deck, 1929. Fogg art museum, Cambridge, USA

Siglo XX

El Precisionismo, surgido a principios de la década de 1920, fue el primer movimiento « modernista » del Nuevo Mundo que pintó la ciudad, la máquina y la infraestructura urbana como recursos formales dignos del interés de un artista.

Las composiciones tomaban prestado tanto del cubismo como del futurismo, pero el toque suave y frío les confería una originalidad claramente estadounidense. Una especie de pureza emerge de estas nuevas imágenes en la gloria de la producción industrial o agrícola.

Las grandes superficies planas de colores claros y contrastados constituyen un proyecto decorativo eficaz, pero hay que reconocerles su considerable aportación en el sentido de que, al no pretender ennoblecer su tema (generalmente banal: una chimenea de fábrica, un silo de grano), extraen toda su extrañeza.

Charles Scheeler (1883-1965), pero también Charles Demuth (1883-1935), Preston Dickinson (1889-1930), Niles Spencer (1893-1952), Elsie Driggs (1898-1992), Ralston Crawford (1906-1978), todos ellos utilizaron la documentación fotográfica, cuando no eran ellos mismos fotógrafos.

Wayne Thiebaud, Hileras de pasteles, 1961. Óleo sobre lienzo. Colección: © Wayne Thiebaud Foundation/2022, ProLitteris, Zúrich, Fotografía: © Matthew Kroening

Wayne Thiebaud (1920-2021), por su parte, que pintaba pasteles, dulces y bollería de todo tipo, haciendo hincapié en el objeto primario del deseo de consumir para satisfacer un apetito inmediato, es a la vez precursor del arte pop y del hiperrealismo. Su técnica pastosa acentúa los contornos para seducir mejor.

Sin embargo, su realismo sigue siendo expresivo y sus paisajes urbanos le acercarían a Edward Hopper.

Edward Hopper (1882-1967), que se hizo famoso en Estados Unidos en los años 30, es probablemente el antepasado más famoso y venerado de los hiperrealistas.

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Sus cuadros representan escenas callejeras, tiendas, teatros, gasolineras, restaurantes, viviendas suburbanas, a veces con figuras solitarias, aisladas y solitarias, encerradas en una soledad dramatizada por la acidez de los colores y la franqueza de los cortes verticales o planos oblicuos dignos del arte cinematográfico más logrado. Configuraciones psicológicas y visuales se unen en cada composición para hablar crudamente de lo que está en juego en la existencia, ante nuestros ojos: el deseo y el rechazo, el placer y la muerte, la agria felicidad que ofrece el mundo moderno.

Los cuadros de Edward Hopper anticipan el interés que los fotorrealistas mostrarán por el entorno urbano o los accesorios de la modernidad y la captación de instantes precisos que quedarán fijados en el lienzo, pero son ferozmente diferentes: la alienación infeliz denunciada por uno no podía prever la alienación feliz celebrada por los otros.

Norman-Rockwell, probleme concerne, 1963, óleo sobre lienzo, 91 x 148, (Ilustración Look: 14 de enero de 1964).

Podríamos mencionar el mundo popular de la ilustración con artistas como Dean Cornwell (1892-1960), también reputado pintor de murales, y sobre todo Norman Rockwell (1894-1978), que relataba los acontecimientos más cómicos de la vida de todo estadounidense con un realismo a veces caricaturesco.

Cada obra cuenta una historia con humor y ternura: el arte como empresa de la verdad, a la vez sociológica por su temática y pictórica por su técnica verdaderamente fotorrealista.

Del mismo modo que hubo un « pictorialismo » entre los fotógrafos, que utilizaron en sus cuadros los encuadres y las convenciones de la pintura paisajística tradicional, habrá un « fotografismo » entre los pintores, que se apropiarán de los códigos y particularidades de un arte que modifica considerablemente los ángulos de visión y las perspectivas, modifica nuestro campo de visión y diversifica lo que puede servir de modelo al artista.

La profunda originalidad del fotorrealismo, más que en el nivel de extrema precisión de la representación, se expresa sobre todo en la utilización en pintura, con todo lo que ello significa en términos de dificultad, de los descubrimientos singulares y de las posibilidades insospechadas de la toma fotográfica.