PROSPETTIVA STORICA:
IL REALISMO IPERLATIVO PRIMA DEL TEMPO

XVII ème
Johannes VERMEER (1632-1675)

XIX ème
Jean-Auguste-Dominique INGRES (1780-1867)

Jan Brueghel il Vecchio, Fiori in un vaso di legno (particolare), 1606-1607, olio su tavola, Collezione: Museo di Storia dell'Arte di Vienna

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XVI – XVII secolo

Come non pensare innanzitutto alle nature morte della scuola fiamminga del XVII secolo, con i loro fiori e dolci resi con finezza e precisione, e i loro materiali accuratamente resi, che presuppongono non solo una perfetta conoscenza dell'oggetto, del frutto, dell'animale, ma soprattutto una padronanza pittorica senza lacune? Jan Brueghel il Vecchio (1568-1625), Ambrosius Bosschaert (1573-1621), Pieter Claesz (1597-1661), Jan Davidsz de Heem (1606-1684), tra i tanti, hanno prodotto composizioni sapienti che stupiscono per la brillantezza dei colori o lo scintillio dei metalli e del vetro. L'evidente ricerca di una veridicità assoluta sembra essere in linea con la consapevolezza della finitudine del mondo e della vanità di ogni azione umana. Possiamo considerare questa pittura di genere come un primo passo verso quello che diventerà l'iperrealismo.

Allo stesso modo, pensiamo al genio del trompe l'oeil, quell'arte dell'illusione che restituisce a ogni oggetto dipinto una presenza ingannevole sulla nostra retina. È piacevole rendere la madreperla di una conchiglia, la peluria di un feltro, le venature di un legno, la sontuosità di un gioiello. Cornelis Norbertus Gijsbrechts (1630-1675) sapeva dare l'impressione del rilievo anche se si trattava solo di una superficie dipinta. Possiamo vedere un rapporto con l'iperrealismo, ma si riduce al virtuosismo tecnico, perché l'intenzione dell'artista con la sua abile messa in scena è quella di interrogarci sul simulacro della realtà e sulla nostra propensione a lasciarci ingannare, e non, come il progetto quasi utopico dell'iperrealismo proporrebbe, sulla nostra capacità di vedere le cose reali come sono.

William Bouguereau, The Little Knitter, 1882, olio su tavola, 60,5 x 100,5 cm

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XIX secolo

Un altro momento fortemente connotato da un realismo a volte eccessivo compare nel XIX secolo, soprattutto in Francia, con l'arte accademica. Qui, l'attrazione per le grandi figure della storia spinge gli artisti a costruire lo spettacolo della grandezza del passato con dipinti monumentali. La preoccupazione per i dettagli induce a credere in una verità che solo il pittore poteva rivelare grazie al dono dell'osservazione acquisito dopo un lungo apprendistato. Quest'arte « pompier », nel culto dell'eccellenza e della tradizione, ha lasciato opere all'apice del realismo: William Bouguereau (1825-1925) o Fernand Cormon (1845-1924), assumendo la superiorità del disegno sul colore, ingrandiscono i soggetti trattati dalla loro tecnica e si sforzano di nascondere il più possibile le pennellate e gli altri artifici, cosa che gli iperrealisti non mancheranno di fare nel secolo successivo.

In questo senso, possiamo pensare ai pittori di paesaggi alpini che non ci dispensano da eventuali crepe nella roccia, da eventuali riflessi del torrente, tutti dettagli visibili in composizioni dimostrative di grandissimo formato: Laurent Guétal (1841-1892), Charles Bertier (1860-1924), Edouard Brun (1860-1935) ci risucchiano nell'immensità delle valli glaciali per convincerci dell'uguale importanza di ciò che è piccolo e di ciò che è grande.

Ma senza dubbio sarà necessario attraversare l'Atlantico per comprendere quelli che potrebbero essere considerati gli inizi dell'iperrealismo. Dopo il periodo dominato dai paesaggi grandiosi e romantici della Scuola del fiume Hudson, alcuni pittori americani, che saranno poi raggruppati sotto il termine « luministi » da John Baur, si concentrarono sugli effetti atmosferici di un paesaggio, stabilendo un rapporto intimo e meditativo tra lo spazio rappresentato con precisione e lo spettatore coinvolto nei valori luminosi. Tra gli artisti che schiarirono la tavolozza e conferirono nitidezza all'opera troviamo John Frederick Kensett (1816-1872), Albert Bierstadt (1835-1910) e Alfred Thompson Bricher (1837-1908), che realizzarono panorami rigorosi con ampie zone lasciate al mare e al cielo, ma che non si liberarono da una preoccupazione ossessiva per i dettagli.

Charles Scheeler, Upper deck, 1929. Fogg art museum, Cambridge, USA

XX ème siècle

Il Precisionismo, emerso nei primi anni Venti, è stato il primo movimento « modernista » del Nuovo Mondo a dipingere la città, la macchina e l'infrastruttura urbana come risorse formali degne dell'interesse dell'artista.

Le composizioni prendono in prestito sia dal Cubismo che dal Futurismo, ma le pennellate morbide e fredde conferiscono loro un'originalità decisamente americana. Da queste nuove immagini emerge una sorta di purezza nella gloria della produzione industriale o agricola.

Le grandi aree piatte di colori chiari e contrastanti sono un progetto decorativo efficace, ma va riconosciuto il loro notevole contributo in quanto, non cercando di nobilitare il soggetto (generalmente banale: una ciminiera di una fabbrica, un silo di grano), ne estraggono tutta la stranezza.

Charles Scheeler (1883-1965), ma anche Charles Demuth (1883-1935), Preston Dickinson (1889-1930), Niles Spencer (1893-1952), Elsie Driggs (1898-1992), Ralston Crawford (1906-1978), hanno tutti utilizzato la documentazione fotografica, quando non erano essi stessi fotografi.

Wayne Thiebaud, File di torte, 1961. Olio su tela. Collezione: © Fondazione Wayne Thiebaud/2022, ProLitteris, Zurigo, Foto: © Matthew Kroening

Wayne Thiebaud (1920-2021), invece, che dipingeva torte, dolci e pasticcini di ogni tipo, enfatizzando l'oggetto primario del desiderio di consumare per soddisfare un appetito immediato, è sia un precursore della pop art che dell'iperrealismo. La sua tecnica pastosa accentua i contorni per meglio sedurre.

Il suo realismo rimane comunque espressivo e i suoi paesaggi urbani lo avvicinano a Edward Hopper.

Edward Hopper (1882-1967), divenuto famoso negli Stati Uniti negli anni Trenta, è probabilmente l'antenato più famoso e venerato degli iperrealisti.

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I suoi dipinti raffigurano scene di strada, negozi, teatri, stazioni di servizio, ristoranti, abitazioni di periferia, talvolta con figure solitarie e isolate, racchiuse in una solitudine drammatizzata dall'acidità dei colori e dalla franchezza dei tagli verticali o delle inquadrature oblique degne della più compiuta arte cinematografica. Configurazioni psicologiche e visive si fondono in ogni composizione per parlare crudamente di ciò che è in gioco nell'esistenza, sotto i nostri occhi: il desiderio e il rifiuto, il piacere e la morte, l'aspra felicità offerta dal mondo moderno.

I quadri di Edward Hopper anticipano l'interesse che i fotorealisti mostreranno per l'ambiente urbano o gli accessori della modernità e la cattura di momenti precisi che verranno fissati sulla tela, ma sono ferocemente diversi: l'alienazione infelice denunciata da uno non poteva prevedere l'alienazione felice celebrata dagli altri.

© Norman-Rockwell, probleme concerne, 1963, olio su tela, 91 x 148, Illustration Look: 14 gennaio 1964.

Potremmo citare il mondo popolare dell'illustrazione con artisti come Dean Cornwell (1892-1960), anche noto pittore di murales, e soprattutto Norman Rockwell (1894-1978), che ha raccontato gli eventi più comici della vita di ogni americano con un realismo a volte fumettistico.

Ogni opera racconta una storia con umorismo e tenerezza: l'arte come impresa di verità, sia sociologica nel soggetto che pittorica nella tecnica realmente fotorealistica.

Così come c'è stato un « pittorialismo » tra i fotografi, che hanno utilizzato nelle loro immagini le inquadrature e le convenzioni della pittura paesaggistica tradizionale, ci sarà un « fotografismo » tra i pittori che si approprieranno dei codici e delle particolarità di un'arte che modifica notevolmente gli angoli di visuale e le prospettive, modifica il nostro campo visivo e diversifica ciò che può servire da modello per l'artista.

La profonda originalità del fotorealismo, più che nel livello di estrema precisione della resa, si esprime soprattutto nell'utilizzo in pittura, con tutto ciò che questo comporta in termini di difficoltà, delle singolari scoperte e insospettabili possibilità dello scatto fotografico.