Das Objekt, das sich dem Betrachter bietet und den Menschen so wiedergibt, wie er ist, ist von unmittelbarer Wirksamkeit.

Der Künstler interpretiert den Körper nicht, sondern erschafft ihn neu, verdoppelt ihn, simuliert seine Anwesenheit, dupliziert ihn ohne die üblichen ästhetischen Ticks, die die moderne Statuenkunst so beliebt gemacht haben.

© John DE ANDREA / Amber reclining, 2015-2016, polyester et cheveux naturels, installation à géométrie variable.

Diese Suche nach Wahrheit ohne Zugeständnisse an die vermeintlich tröstende Kraft der Kunst wird immer wieder durch ihren klaren Materialismus überraschen und uns in das Paradoxon stürzen, dass es der Betrachter ist, der seine Emotionen, sein Unbehagen oder seine Freude erfindet, wenn er mit Skulpturen konfrontiert wird, die versuchen, die Grenze zwischen Kunst und Wirklichkeit zu beseitigen.

Diese Werke zu betrachten bedeutet, sich selbst zu beobachten, den Spiegel zu erleben, so verstörend er auch sein mag, und sich selbst in der Widerlegung jeglicher Selbstgefälligkeit als menschliches Wesen zu betrachten, das so beschaffen ist, so gekleidet und so ausgezogen, so an der Oberfläche der Dinge sichtbar, Erscheinung unter den Erscheinungen, allein unter den Seinen, innerlich einzigartig und äußerlich gewöhnlich, erschreckend banal in seinem Aussehen, d. h. wunderbar banal in seinem Auftreten.

Die hyperrealistische Skulptur fordert uns auf, die Archetypen, die wir verkörpern, und die Bedeutung der Situationen, die wir jeden Tag, hier, an diesem Tag, in jedem Augenblick erleben, ohne den trügerischen Schleier unserer Absichten, Träume und Lügen zu hinterfragen. Natürlich sind diese Künstler gegen das Streben nach einem veralteten Schönheitsideal. Sie verwenden Techniken, die uns an die Präparation erinnern, stellen das Leben selbst zur Schau und sagen dennoch, wie nah wir dem Tod sind.

© John DE ANDREA / American Icon (Kent State), 2015, huile sur polyvinyl, médias mixtes, installation à géométrie variable

Louis K. Meisel fasst in seinem gemeinsam mit Elizabeth K. Harris verfassten Standardwerk « Photorealism in the digital age » (Harry N. Abrams, Inc., Publishers, New York, 2013) hyperrealistische Bildhauer unter dem Begriff « verists » zusammen, da ihr Streben nach Wahrhaftigkeit, so ist das Wort, erwiesen sei.

Wir können zwar argumentieren, dass die Frage unabhängig von der verwendeten Technik darauf hinauszulaufen schien, ob die Illusion vollständig ist oder nicht, und damit ein bemerkenswertes Talent bestätigt wurde. Aber wir stellen schnell fest, dass der Künstler, egal wie virtuos er ist, uns nicht täuschen, sondern uns vielmehr mit der Wahrheit, unserer Wahrheit, konfrontieren will. Das Betrachten dieser Werke ist ein Akt, der weit über das Ausloten der Kunstfertigkeit, die hier im Spiel ist, und die Frage nach der Perfektion einer originellen Technik hinausgeht.

Es geht darum, sehr authentisch und sehr aufrichtig die Wahrheit in der Bildhauerei zu sagen.

© Duane HANSON, Man with camera, 1991, mehrfarbig in Öl, gemischte Medien mit Zubehör. Lifesize. Private Sammlung.

Die beiden Bildhauer, die von Anfang an als historisch zur fotorealistischen Bewegung gehörend vorgestellt werden, sind natürlich Amerikaner: Duane Hanson (1925-1996) und John de Andrea (1941). Ersterer stellt Figuren und Szenen der amerikanischen Straße her, in der wirtschaftlicher Wohlstand nicht mit sozialer Gerechtigkeit einhergeht, letzterer hingegen produziert ausschließlich Akte mit einer akribisch wiedergegebenen Anatomie.

Beide prangern auf ihre Weise die soziale Vorbestimmung an. Duane Hanson: « In den ruhigen Momenten, in denen Sie meine Arbeit betrachten, erkennen Sie vielleicht die Universalität aller menschlichen Wesen. Wir sind immer frustriert, müde, gelangweilt, überdrüssig und fühlen uns isoliert. Dabei sollte das Leben doch voller Hoffnung sein. Ich beobachte nur, was ich sehe, und frage mich dabei, ob diese Welt mit einigen Veränderungen in uns selbst besser sein könnte. » 1993 (vgl. Katalog Duane Hanson, Serpentine Galleries, Koenig Books, 2015)

© Zharko BASHESKI / Grace

Zharko Basheski (1957), mazedonischer Künstler, entwirft spektakuläre Situationen, in denen seine Figuren mit den Paradoxien der Wahrnehmung spielen.

© Sam JINKS /Woman and Child, 2010, Gemischte Medien, 145 x 40 x 40 cm.

Sam Jinks (1973), australischer Bildhauer, wirft uns mit völlig introvertierten Körperhaltungen in die Schrecken des Daseins, von der Geburt bis zum Alter.

© Ron MUECK / Untitled (Big Man), 2000, Pigmentiertes Polyesterharz auf Glasfaser, 204 × 121 × 205 cm.

Ron Mueck (1958), ein deutschstämmiger Australier, der in London lebt, vergrößert oder verkleinert die Körper seiner Figuren je nach dem Gefühl, das sie verkörpern. Die verletzlichste Intimität wird dem Blick ausgesetzt, was unsere Menschheit universell teilt.

© Marc SIJAN (1946), Américain,  Cornered Lady, 2011, Öl auf Polyesterharz, 74 x 38 x 71 cm.

Marc Sijan (1946), ein in Serbien geborener Amerikaner und zweifellos der Perfektionist von allen, produziert Werke, die sowohl durch das Gefühl, das sie ausdrücken, die extreme Sensibilität, die von ihnen ausgeht, als auch durch die durchscheinende Qualität der Oberfläche beeindrucken.

© Evan PENNY / Camille, 2014, Silikon, Pigment, Haare, Aluminium, 86 x 84 x 25 cm 

Evan Penny (1953), kanadischer Bildhauer, der für seine besonders bewegenden Büsten berühmt ist, sagte 2011: « Wenn es etwas gibt, das ich im Betrachter hervorrufen möchte, wenn er vor dem Werk steht, dann ist es ein Moment der Bewusstwerdung der eigenen körperlichen Erfahrung, der Erfahrung des eigenen Seins im Raum. »

© Jamie SALMON / Sammlung Jamie Salmon.

Jamie Salmon (1971), eine in Vancouver arbeitende Britin, schafft manchmal unvollständige Gesichter, Büsten und Körper, die von persönlichen Dramen geplagt werden.

© Jacques VERDUYN / Kate 4

Der belgische Künstler Jacques Verduyn (1946) regt uns dazu an, die Gesten des täglichen Lebens und des häuslichen Lebens mit Empathie neu zu betrachten.

© Carole A. FEUERMAN /  Monumental Serena, 2017, Lack auf Epoxid mit Swarovski-Kristallen, 94 x 205 x 79 cm

Die Amerikanerin Carole A. Feuerman (1945) zeigt junge Badende mit geschlossenen Augen, die sich dem Genuss des Wassers und der Sonne hingeben.