HIPERREALISMO
UN MOVIMIENTO MUNDIAL
La primera parte de la exposición se centrará en el fotorrealismo tal y como apareció en Estados Unidos a partir de 1965.
© Richard ESTES / Bus avec reflet du Flatiron Building, 1966-67, huile sur toile, 36 × 48 pouces
Ya no se trataba de pintar la realidad, el mundo (paisaje urbano o bucólico, busto o retrato de cuerpo entero, bodegón, coches o máquinas) colocando el caballete delante de la escena, sino, fijando en el estudio una fotografía que debía desempeñar el papel de modelo, se trataba de pintar una fotografía, es decir, una realidad inventada por una técnica que tenía más de un siglo de antigüedad.
Por tanto, es la estética del arte fotográfico (encuadre, contraste, desenfoque, sobreexposición, defectos de impresión y revelado) la que se convierte en el recurso de esta expresión pictórica inédita.
Una fotografía detiene una imagen que nuestro ojo sólo suele percibir de forma inconsciente. Por ello, el pintor fotorrealista realizará campañas fotográficas en la calle, por todas partes, para encontrar la imagen que le interese pictóricamente. Aceptará el reto de reproducir la foto (o varias fotos, da igual) con la máxima precisión y fidelidad.
En 1969 Ivan C. Karp abrió su galería de arte O.K. Harris en Nueva York, y después Louis K. Meisel abrió la suya en 1973, un periodo de éxito creciente para el fotorrealismo, que parecía ofrecer una alternativa especialmente atractiva, inventiva e innovadora al Pop Art, y para el que estos dos galeristas fueron los verdaderos promotores de esta nueva vanguardia.
El término « fotorrealismo », acuñado por Louis K. Meisel, se fue imponiendo poco a poco tras otras expresiones presentes en los títulos de exposiciones colectivas como « Realism now » (Nueva York, 1968), « Radical realism » (Chicago, 1971) o « Sharp-focus realism » (Nueva York, 1972), que se refiere claramente al « enfoque » del objetivo de una cámara.
Inmediatamente apareció otro término en Europa: « Hiperrealismo », acuñado por Isy Brachot en Bruselas, donde parecía privilegiarse la técnica pictórica de precisión absoluta frente al uso de la fotografía. Así, podemos observar que el uso de la palabra Fotorrealismo, en Alemania (Württemberg, Stuttgart, Frankfurt, Wuppertal en 1972-1973) o en Inglaterra (Londres en 1973), rivalizaba con la palabra Hiperrealismo, tanto en Bélgica (Bruselas en 1973) como en Francia (París en 1973 y 1974). Ambos términos tendieron a convertirse en sinónimos en el mundo del arte contemporáneo a pesar de sus evidentes diferencias conceptuales. Cabe señalar que se han realizado intentos similares, como el « superrealismo » (Baltimore, 1975).
© Robert BECHTEL / 56 Chrysler, 1965, oil on canvas
Es hora de decir lo importante que fue la aparición del fotorrealismo / hiperrealismo en aquellos años 65. He aquí obras de arte que nos invitan a ver lo que, bien porque es demasiado banal, bien porque es muy poco gratificante, nos negamos a ver.
Lo que está en juego es la veracidad o no de la representación que nos hacemos del mundo en que vivimos.
He aquí cuadros que brutalizan nuestra concepción habitual del arte moderno, a saber, que el gesto del artista, disuelto en su tecnicidad perfecta, desaparece, al igual que la autonomía del color y la armonía de las formas, en beneficio de una literalidad descriptiva neutra y distanciada.
¡Qué probidad!
Durante la retrospectiva, la disposición del espacio expositivo propondrá en primer lugar un conjunto de obras de los artistas que se acercaron a este nuevo estilo pictórico a finales de los años sesenta, una tendencia sin manifiesto, sin voluntad siquiera de formar un grupo coherente, pero de una renovación artística que modificó considerablemente nuestra mirada. Después siguieron los 13 fundadores (mencionados por Louis K. Meisel en 1985 en su libro « Photorealism » / Editor: Harry N. Abrams) de la primera generación de este nuevo movimiento artístico.
© Ralph GOINGS / Interior, 1972, Oil on canvas, 36 x 52 in. (91.4 x 132 cm.)
En esta primera sección expondremos obras de artistas estadounidenses procedentes de estudios de artistas, museos, galerías y colecciones privadas.
Pensamos en particular en Duane Hanson (1925-1996), Ralph Goings (1928), Audrey Flack (1931), Richard Estes (1932), Robert Bechtle (1932), Richard McLean (1934-2014), Charles Bell (1935-1995), Robert Cottingham (1935), Ron Kleemann (1937), Tom Blackwell (1938-2020), Chuck Close (1940-2021), John De Andrea (1941), Ben Schonzeit (1942), Don Eddy (1944), así como John Kacere (1920-1999), Jack Mendenhall (1937), John Clem Clarke (1937), John Baeder (1938), David Parrish (1939), Vija Celmins (1939), Paul Staiger (1941), Noël Mahaffey (1944), y finalmente Gus Heinze (1926), Denis Peterson (1944), así como el angloamericano Malcolm Morley (1931), y el inglés John Salt (1937).
© Franz GERTSCH / Medici, 1971–1972, Dispersion auf ungrundiertem Halbleinen, 400 × 600 cm
Completamente fuera del ámbito cultural estadounidense, tres artistas europeos produjeron obras que pueden calificarse de fotorrealistas:
El artista francés Jean Olivier Hucleux (1923-2012),
el artista suizo Franz Gertsch (1930-2022),
El enfoque de este último ofrece un contrapunto que problematiza nuestra relación con la imagen y la memoria visual de un modo muy distinto al del primero.
Se podría haber elegido a otros artistas, como Joseph Raffael (1933-2021), Reynard Milici (1942) o el artista taiwanés Hilo Chen (1942), a menudo presente en las primeras exposiciones colectivas.
Esta primera sección dedicada al fotorrealismo sienta las bases de lo que llamaremos más fácilmente el hiperrealismo de las generaciones posteriores hasta nuestros días, objeto de la segunda sección de nuestro proyecto.